• Expo RAMÓN CASAS – La Modernidad Anhelada

    Expo RAMÓN CASAS – La Modernidad Anhelada
    CaixaForum Madrid. Paseo del Prado, Madrid. (Entrada: 4 €)
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    Luis Pita - Expo Ramon Casas - La Modernidad Anhelada
    RAMÓN CASAS ES EL MEJOR PINTOR REALISTA que ha dado España, pero no es reconocido como tal porque cometió el error de nacer en Barcelona y ser símbolo y baluarte de esa burguesía catalana, avanzada y conservadora a la vez, que tanto miedo dió siempre a los castellanos del centralismo.

    La expo es una delicia que uno no se puede perder en ningún caso si no ha disfrutado nunca de la pintura de Casas en directo y, si ya lo ha hecho en alguna de las muchas expos que ha habido de su obra en los últimos treinta años —tanto en Cataluña como en Madrid—, esta es una ocasión única para volver a hacerle la visita de rigor a este viejo y entrañable amigo.
    Aviso que la expo no solo consta de obra de Casas, y eso es un poco sorprendente ya que en ninguna parte se avisa que casi la mitad de la obra de la primera parte de la expo son cuadros de Santiago Rusiñol, gran amigo y colega de Casas, y algunos otros artistas contemporáneos de ambos, como John Singer Sargent.
    Una expo de obligada visita para los amantes de la pintura y el dibujo del s. XIX y lo que fue la modernidad en el arte.

  • Stefan Zweig lo escribó así… (en 1941)

    «En aquél verano de 1936 había estallado la guerra civil española, la cual, vista superficialmente, solo era una disensión interna en el seno de ese bello y trágico país, pero que, en realidad, era una ya una maniobra preparada por las dos potencias ideológicas con vistas a su futuro choque. Había salido yo de Southampton en un barco inglés con la idea de que el vapor evitaría la primera escala, Vigo, para eludir la zona en conflicto. Sin embargo, y para mi sorpresa, entramos en este puerto e incluso se nos permitió a los pasajeros bajar a tierra durante unas horas. Vigo se encontraba entonces en poder de los franquistas y lejos del escenario de la guerra propiamente dicha. No obstante, en aquellas pocas horas pude ver cosas que me dieron motivos justificados para reflexiones abrumadoras. Delante del ayuntamiento, donde ondeaba la bandera de Franco, estaban de pie y formados en fila unos jóvenes, en su mayoría guiados por curas y vestidos con sus ropas campesinas, traídos seguramente de los pueblos vecinos. De momento no comprendí para qué los querían, ¿Eran obreros reclutados para un servicio de urgencia? ¿Eran parados a los que allí les daban de comer? Pero al cabo de un cuarto de hora los vi salir del ayuntamiento completamente transformados. Llevaban uniformes nuevos y relucientes, fusiles y bayonetas; bajo la vigilancia de unos oficiales fueron cargados en automóviles igualmente nuevos y relucientes y salieron como un rayo de la ciudad. Me estremecí. ¿Dónde lo había visto yo antes? ¡Primero en Italia y luego en Alemania! Tanto en un lugar como en otro habían aparecido de repente estos uniformes nuevos e inmaculados, los flamantes automóviles y las ametralladoras. Y una vez más me pregunté: ¿quién proporciona y paga estos uniformes nuevos? ¿Quién organiza a esos pobres jóvenes anémicos? ¿Quién los empuja a luchar contra el porder establecido, contra el parlamento elegido, contra los representantes legítimos de su propio pueblo? Yo sabía que el tesoro público estaba en manos del gobierno legítimo, como también los depósitos de armas. Por consiguiente, esas armas y esos automóviles tenían que haber sido suministrados desde el extranjero y sin duda habían cruzado la frontera desde la vecina Portugal. Pero, ¿quién los había suministrado? ¿Quién los había pagado? Era un poder nuevo que quería el dominio, el mismo poder que actuaba aquí y allá, un poder que amaba la violencia y que consideraba debilidades anticuadas todas las ideas que nosotros profesábamos y por las cuales vivíamos: paz, humanidad, entendimiento mutuo. Eran grupos secretos, escondidos en sus despachos y consorcios, que cínicamente se aprovechaban del idealismo ingenuo de los jóvenes para sus ambiciones de poder y sus negocios. Era una voluntad de imponer la fuerza que, con una técnica nueva y más sutil, quería extender por nuestra infausta Europa la vieja barbarie de la guerra. Una sola impresión óptica, sensorial, siempre causa más impacto en el alma que mil opúsculos y artículos de periódico. Y en el momento en que vi como instigadores ocultos proveían de armas a aquellos muchachos jóvenes e inocentes y los lanzaban contra muchachos también jóvenes e inocentes de su propia patria, tuve el presentimiento de lo que nos esperaba, de lo que amenazaba a Europa. Cuando al cabo de unas horas de parada, el barco desatracó de nuevo, corrí a mi camarote. Me resultaba demasiado doloroso seguir viendo ese hermoso país que había caído víctima de una horrible desolación por culpa de otros; Europa me parecía condenada a muerte por su propia locura, Europa, nuestra santa patria, cuna y partenón de nuestra civilización occidental.»

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    Stefan Zweig. “El mundo de ayer. Memorias de un europeo” (1941) Ed. Acantilado

  • Josef Van Wissem & Jim Jarmusch | He is Hanging by His Shiny Arms…

    Josef Van Wissem & Jim Jarmusch | He is Hanging by His Shiny Arms, His Heart an Open Wound with Love (2012)
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    Escuchar la obra de estos dos creadores me produce la sensación de que lo que nos están diciendo es más de lo que podemos percibir con nuestros limitados sentidos, como si estuvieramos frente a seres iniciados en un culto esotérico, tocados por el destello de los iluminados, conocedores de eso que no tiene relación con el tiempo que vivimos, de aquello que es eterno.

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  • Jozef Van Wissem & Jim Jarmusch | Concerning The Entrance Into Eternity (2012)

    Jozef Van Wissem & Jim Jarmusch | Concerning The Entrance Into Eternity (2012)
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    Una sorpresa: música de laúd y guitarra para el fin de la música

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  • Зеркало | El Espejo | Andrei Tarkovski (1975)

    Ahora en YouTube (película completa con subtítulos en español)

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    Misteriosa, bella y sugerente esta película sobre la infancia y la memoria que, aunque sea compleja y no claramente narrativa (como toda la filmografía del poeta de la cinematografía rusa) también es una pieza delicada e inspiradora. Con unos emotivos minutos de metraje de recuerdo a los niños españoles de la guerra que se hicieron hombres y mujeres en Rusia.

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  • Joep Franssens | Harmony of the Spheres (1994)

    Joep Franssens | Harmony of the Spheres | Ciclo en cinco movimientos para coro y orquesta de cuerda (1994)
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    Una pieza de paz y concentración de este interesante compositor holandés contemporáneo —situado dentro del movimiento europeo llamado “Nueva Espiritualidad”, del que su máximo exponente sería Arvo Part— y que en esta pieza recuerda lejanamente a las piezas de Hildegard von Bingen y a las obras corales del brillante David Lang.
    Una hora de elevación por encima de lo cotidiano.

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  • Inland Empire (2006) | David Lynch

    Ahora en YouTube (película completa con subtítulos en español)

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    Impresionante película en la que David Lynch se homenajea a sí mismo con su lenguaje cinematográfico exacerbado al límite y todas sus fobias expuestas con la claridad de la distorsión. Una coproducción con Polonia, donde Lynch parece haber encontrado la pieza que faltaba a su engranaje. Una joya fílmica, larga y exasperante, sobre saltos espacio-temporales y conejos gigantes.

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  • Conferencia de Christian Boltanski en Madrid, íntegra (24/02/17)

    Hace un mes subí aquí algunos de los pensamientos que extraje de esta interesante conferencia que ahora ya se encuentra on-line, aquí, para disfrute de todos.
    54 minutos de interesantes reflexiones de este artista de la memoria.

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  • Expo | BRUCE CONNER. ES TODO CIERTO

    Expo | BRUCE CONNER. ES TODO CIERTO
    Centro de Arte Reina Sofía. Madrid (Entrada gratuita de 7 a 8:45 pm.)
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    Luis Pita - Expo | BRUCE CONNER. ES TODO CIERTO.
    El artista en el año 2000 dijo de sí mismo:
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    “Soy un artista, soy un antiartista, arrogante, modesto, un feminista, un misógino redomado, un romántico, un realista, un surrealista, un artista funk, artista conceptual, minimalista, posmoderno, beatnik, hippie, punk, sutil, combativo, creíble, paranoico, cortés, difícil, directo, alguien con quién es imposible trabajar, accesible, oscuro, preciso, tranquilo, terco, esquivo, espiritual, profano, un hombre del reancimiento del arte contemporáneo y uno de los artistas más importantes del mundo.
    Se ha dicho de mi obra que es hermosa, horrible, bazofia, genial, dispersa, precisa, pintoresca, vanguardista, histórica, manida, magistral, trivial, intensa, mística, vistuosa, desconcertante, fascinante, concisa, absurda, divertida, innovadora, nostálgica, contemporánea, iconoclasta, sofisticada, basura, obra maestra, etc.
    Es todo cierto.”
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    Una expo aterradora, inquietante, sobrecogedora, hipnótica, sensual, autodestructiva y MUY RECOMENDABLE sobre el fin de los tiempos y el apocalipsis del arte en una retrospectiva que empieza a mediados de los años 50, cuando la mayoría de ustedes, ni ninguno de los punks que el mundo ha dado, ni siquiera había nacido.
    Para ver en dos o tres sesiones y así poder degustar todo el despliegue de creatividad, la inmensa cantidad de obras, dibujos, montajes, pinturas, collages, fotografías… y tiempo añadido para ver las películas que este artista, un renacentista del deshecho y la basura, tuvo tiempo de hacer, hasta que decidió dejar de ser artista y se retiró, iniciando así un feliz período sabático que terminó con su muerte, en 2008.
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  • Tortoise | TNT (1998)

    Tercer álbum de esta banda de post-rock (!) y su trabajo menos ruidoso, con influencias jazz y groove, que dan como resultado una especie de ambient que se deja escuchar con agrado, solo equiparable en su discografía a su disco «The Catastrophist» (2016), también muy recomendable para quién guste de la música sin estridencias.
    1 hora de música ideal para escuchar caminando con auriculares.

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  • Exposición LYONEL FEININGER

    Exposición LYONEL FEININGER
    Fundación Juan March, Madrid
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    Luis Pita - Expo Lyonel Feininger

    Probablemente esta sea la primera expo dedicada en España a este artista, pintor, grabador e ilustrador nacido en 1871 en América del Norte, criado en Alemania donde llegó a ser profesor de la Bauhaus, purgado con motivo de la infame exposición nazi de “arte degenerado” y exiliado más tarde en América, donde volvió como un extranjero.

    Una vida azarosa y seguramente llena de interesantes matices que no se traslucen en su obra, reposada, ingenua a veces, —y siempre con un ojo puesto en la realidad de los paisajes urbanos, marítimos o humanos— a pesar de que en su evolución abrazó el cubismo y luego se dejó influir por el expresionismo alemán, de cuya simbiosis nace su estilo particular y único. Coleguita de Kandinski y Klee, más influenciado por este último, crea una obra amable, decorativa, ingeniosa y sugerente, cargada de una poesía muy poco común: La del artista observador de las luces, las sombras y las líneas imaginarias que hacen que la naturaleza componga tan bien.


    Un descubrimiento (necesario) para los artistas españoles.

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  • Michael Andrews & Gary Jules | Mad World (2001)

    Canción compuesta por Tears for Fears en 1982, que tuvo una segunda vida veinte años después en esta preciosa versión —realizada por Michael Andrews y cantada por Gary Jules— que formó parte de la banda sonora de «Donnie Darko» esa película, bella e inclasificable, que ha pasado a la estantería de las pelis de culto para los que amamos la ficción especulativa.

    (Este video, dirigido por Michael Gondry, no es metraje de la peli)

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  • HENRY MILLER lo dijo así…

    «El artista pertenece a la raíz X de la raza humana; es el microbio espiritual, por decirlo así, que se transmite de una raíz de la raza a otra. El infortunio no lo aplasta, porque no forma parte del orden de cosas físico, racial. Su aparición coincide siempre con la catástrofe y la disolución; es el ser cíclico que vive en el epiciclo. La experiencia que adquiere nunca la usa para fines personales; está al servicio del objetivo más amplio al que va engranado. No se le escapa nada, por insignificante que sea. Si se ve obligado a interrumpir durante veinticinco años la lectura de un libro, puede proseguir a partir de la página que quedó, como si nada hubiera ocurrido en el intervalo. Todo lo que ocurre en el intervalo, que es la “vida” para la mayoría de la gente, es una mera interrupción en su avance. La eternidad de su obra, cuando se expresa, es un mero reflejo del automatismo de la vida en que se ve obligado a permanecer aletargado, un durmiente en la espalda del sueño, en espera de la señal que anuncie el momento del nacimiento. Esa es la cuestión importante, y eso siempre estuvo claro para mí, aun cuando lo negaba. La insatisfacción que le impele a uno de una palabra a otra, de una creación a otra, es simplemente una protesta contra la futilidad del aplazamiento. Cuando más despierto llega uno a estar, cuanto más se vuelve un microbio artístico, menos deseo tiene de nada. Completamente despierto, todo es justo y no hay necesidad de salir del trance. La acción, tal como se expresa en la creación de una obra de arte, es una concesión al principio automático de la muerte»
    (Trópico de Capricornio. 1938)
  • El ocaso de un Tulipán Abba

    Luis Pita | El ocaso de un Tulipán Abba

    Luis Pita | Fotografía : El ocaso de un Tulipán Abba (uno de los pocos tulipanes con perfume), el 25 de febrero de 2017.

  • Miles Davis & John Coltrane | Olympia Theatre, Paris (March 21, 1960)

    Extraordinaria grabación en directo (con sonido excelente) de la que probablemente sea una de las cimas del jazz moderno. Un par de genios frente a frente en su momento más dulce.

    Estas son las últimas horas que pasó San John Coltrane en la banda de Miles, que era desde hacía algún tiempo su boss, después de haber participado en maravillas de la talla de “Kind of Blue” o “Milestones” como obediente saxofonista de Davis… pero San John ya había publicado en solitario “Giant Steps” y estaba un poco cansado de tanta armonía y tanta versión de standard (y eso se nota en esta grabación, en la que “boicotea” con sus solos incandescentes varias veces a la sección rítimica de Miles). Apenas unos meses después de esta grabación, casi nada más salir de la banda del maestro, San John Coltrane formó su primer cuarteto y lo estrenó grabando ni más ni menos que ese tesoro eterno que es el disco “My Favorite Things”…

    Esta actuación es un regalo de 1 hora y 25 min., recién llegado a través del túnel del tiempo.

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  • Algunas cosas que dijo Boltanski en su conferencia en Madrid

    En la conferencia que dió en la Fundación El Instante, ayer en Madrid, Christian Boltanski dijo varias cosas que me impresionaron y que se han quedado en mi memoria.
    La primera es que su arte es efímero como los templos japoneses, que se demuelen y reconstruyen cada veinte años, porque a los japoneses lo que les importa conservar de estos templos milenarios es la esencia, no la materia de la que están hechos, que solo es una representación de dicha esencia.
    Del mismo modo actúa él con sus obras que, cuando una exposición termina, los objetos con los que ha sido hecha son destruidos, o reciclados, en su inmensa mayoría.
    Igual cuando una obra suya viaja a otro país, en realidad lo que viaja es la idea de la pieza, que es lo que se conserva de ella, y no la pieza en sí porque lo que ve la gente en ese otro país es una recreación de la idea original que ha sido reconstruida en el sitio a donde se supone que ha viajado.
    De este modo, según sus palabras, cuando él haya muerto y una obra suya se exponga habrá que firmarla como «Una idea de CB realizada por X» debiendo ponerse ahí el nombre del artista que la lleve a cabo.
     
    En relación con esto dijo que él piensa que los museos son el equivalente a las catedrales antiguas, que se construían alrededor de la reliquia de un santo. Se llevaban ahí unos fragmentos del cuerpo del santo, unos huesecitos, y la catedral se hacía para que la gente peregrinara a ver y tocar esos huesecitos. Como consecuencia de esto la ciudad se enriquecía y cobraba fama. Y añadió «Del mismo modo que ha pasado en Bilbao recientemente. Que llevaron ahí unos huesecitos, construyeron a su alrededor una gran catedral y ahora la ciudad es mucho más rica y, además, famosa en el mundo entero».
     
    Y para subrayar esta idea añadió, «Los cuadros de Van Gogh, por ejemplo, serían muy fáciles de copiar y que todo el mundo pudiera disfrutar de sus ideas, de su colorido y de su estilo, y hacer museos de Van Gogh en distintas partes del mundo, sin embargo, no es así, eso no vale. Hay que viajar a Amsterdam, hacer colas infinitas para estar apenas unos segundos delante de cada uno de sus cuadros, porque son los que él pintó, creandose con este gesto una equivalencia exacta a las antiguas peregrinaciones a los lugares sagrados».
     
    En referencia a los archivos de imágenes antiguas con los que habitualmente trabaja señaló que hoy en día todo es mucho más fácil con internet y los ordenadores, pero que la superpoblación de imágenes, del archivo infinito que ha terminado siendo la red, era también la muerte del archivo.
     
    Ya casi al final de su amena charla, habló del método de crear que él como artista había seguido toda su vida. Que este había sido, esencialmente, la constancia. Lo que no quería decir que uno no viera la tele o fuera al cine pero él pensaba que el artista siempre debía de estar alerta, porque de ese reposo o de ese entretenimiento podía surgir la chispa creadora.
     
    Y el término que utilizó, que me pareció trementadamente clarificador, fue que el artista NO DEBE DISTRAERSE nunca.
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  • Christian Boltanski en Madrid (24|02|2017)

    El día de ayer algunos privilegiados tuvimos la suerte de escuchar una inspiradora conferencia de Boltanski en Madrid, un lujo difícilmente repetible.

    Fue en la Fundación El Instante, donde está expuesta su instalación «Les Registres du Grand-Hornu».

    Luis Pita | Christian Boltanski en Madrid (04) 24|02|2017

    Luis Pita | Christian Boltanski en Madrid (24|02|2017)